Mittwoch, 19.09.2018
Danielle de Picciotto & Friends in Conversation

Amy Kaps: “Wenn man die Performance nicht sieht, hat man es verpasst.”

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Amy Kaps and Maya Epic (Photo by Maximilian France)

Ich traf Amy Kaps in Köln um 1986. Ich war gerade aus New York übergesiedelt und arbeitete im legendären Rose Club, der mein Leben auf eine Weise beeinflussen sollte, die ich nicht für möglich gehalten hätte. Hier sah und traf ich Psychic TV, Crime & The City Solution (mit meinen zukünftigen Ehemann), Laibach, Nicky Sudden, Celibate Rifles und Henry Rollins und viele weitere. Die Spex mit Dietrich Dietrichsen war Stammkunden und ich erhielt jeden Abend eine unglaublich vielseitige und einzigartige Ausbildung in experimenteller Musik während ich Getränke servierte und mich um die Musiker kümmerte.

Köln war ein unglaublicher Knotenpunkt für Kunst, Musik und Performancekunst in den 80ern und beeinflusste die nachfolgenden Generationen nachhaltig auf mannigfaltiger Art und Weise. Amy war ein wichtiger Teil der lokalen Szene. Sie hatte eine Band namens Beyond Good and Bad und ich sah regelmäßig ihre Shows. Sie war aber mehr als nur eine Sängerin. Der Alte Wartesaal – einer der größten und wichtigsten Veranstaltungsorte damals – hatte sie zu einem regelmäßigen Aufführungsabend eingeladen und damit hatte sie sich einen Namen gemacht. Performance Art war in den 80ern viel mehr präsent als es heute der Fall ist. Von reinen Performance-Künstlern hört man heute kaum noch, meist nur in Verbindung mit Tanz, gesprochenem Wort oder Musik. In den Achtzigern gab es immer und überall Performances, sei es im Palladium mit Madonna, die vor und nachher Platten auflegte, oder in Berlin im Ex´n´Pop mit Nick Cave oder Depeche Mode im Publikum. Die Abende hatten immer eine exzessive Atmosphäre von „alles ist möglich“. Es gab natürlich viele schlechte Performancekünstler mit exzessiven Körperbemalungsorgien, Ausziehen und Urinieren oder Toilettenpapier-Extravaganzen, aber die wirklich Guten blieben mir auch Jahre danach noch in Erinnerung mit Ihren ungewöhnlichen Ideen und Konzepten die sie zu einer surrealen Gedankenkette während Ihrem Auftritt ausweiteten. Für mich ist reine Performancekunst wie ein „Cut up“ von Burroughs; sie kombinieren ungewöhnliche Gedanken zu einem nicht-linearen Prozess, wobei oft politische oder soziale Normen auf eine manchmal humorvolle, oft visuelle und möglicherweise nicht-vokale Weise in Frage gestellt werden. Ich finde es interessant, dass es sich um eine Kunstform handelt, die in Museen ausgestellt und besprochen wird, oder in Aktivismus oder politisches Theater umgewandelt worden ist, aber in Clubs nicht mehr zu sehen ist.

Amy Kaps war eine der Guten. Ihre Auftritte in Köln waren insofern ungewöhnlich, als sie fast introvertiert, intim und eher ruhig waren. Ich erinnere mich, dass ich daran gedacht habe, dass sie so Performance-Kunst an sich neu formatierte: Vor einem Publikum zu stehen, muss also nicht unbedingt extrem extrovertiert sein (so wie die meisten, die ich gesehen hatte), sondern kann ein Hybrid sein. Öffentlich sich zu offenbaren und doch nicht greifbar zu sein, ohne langweilig zu werden, ist eine interessante Herangehensweise und Herausforderung auf der Bühne, die mich seither fasziniert. Yoko Ono hat sich mit dieser Herangehensweise auseinandergesetzt , auch Marina Abramovic, und die japanische Kultur ist wahrscheinlich ein Bereich, in dem diese Gegensätze viel verwendet werden aber Amy hatte ihren eigenen interessante Ansatz gefunden.

Wir verloren dann den Kontakt nachdem ich nach Berlin zog. Sie hat mich ein- oder zweimal besucht, aber erst zwanzig Jahre später haben wir uns in Los Angeles wiedergefunden, als ich dort für ein paar Monate lebte. Sie hat im Laufe der Jahrzehnte als Performance-Künstlerin weitergearbeitet, eine dieser unbeirrten, hartnäckigen Idealistinnen, die einfach weitermachen, egal wie schwierig und undankbar es auch sein mag. Als ich sie dann wiedersah, war sie gerade in einer Phase in der sie endlich Anerkennung in Form von Residenzen und Stipendien bekam und erregte mit ihren neuesten Projekten internationale Aufmerksamkeit. Ihr aktuelles Projekt, “Victus Versus oder Living Stripes”, ist ihrer Tradition treu geblieben, vor einer Menschenmenge ungreifbarzu sein und brachte mich dazu darüber nachzudenken, wie viel wir wirklich von unserer Umgebung mitbekommen.
Ich freue mich sehr, Amy Kaps heute hier vorstellen zu können.

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Amy Kaps (Photo by Eric Schwabel)

Danielle de Picciotto: Was ist Performance Art für dich?
Amy Kaps: Ein Live-Act. Ich weiß, das klingt einfach. Und vage. Aber richtig. Manche Leute definieren es als Theater ohne Erzählung. Aber das ist nicht ganz richtig. Ich habe vor einigen Jahren eine Aufführung mit dem Titel “Poodles Too: sehr, sehr sehr locker basierend auf Goethes Faust” gemacht und dafür viele verschiedene Medien benutzt. Das Stück diktiert, wie es realisiert wird. Manchmal ist es sehr abstrakt, wie eine lebende Skulptur. Manchmal sind sie beladen. Manchmal gibt es Worte, Musikprojektion und Bewegung.

Wonach suchst du in der Performance-Kunst?
Ich suche nach Stimulation. Mit allen Medien möchte ich bewegt, berührt werden. Es ist sehr schwierig, das Rad neu zu erfinden. Ich fordere das nicht, aber ich suche nach neuen Kombinationen von Elementen. Ehrlicher Ausdruck ist der stärkste.

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Striped World (Photo by Eric Schwabel)

Du hast “Victus Versus oder Living Stripes” entwickelt. Könntest Du beschreiben, was Du da tust tun und was es für Dich bedeutet?
Amy: Die Entstehung von “Victus Versus oder Living Stripes” war ein glücklicher Zufall. Ich wurde 2011 gebeten, eine Vorstellung im Beacon Arts Building in Inglewood zu geben. Ich sollte von hinten beleuchtet als Silhouette von “Litanei der Liebenden” auftreten. Ich ging in die Innenstadt, um nach weißem elastischen Stoff zu suchen. Ich brauchte ungefähr 30 Meter. Im Jumble-Laden, wo alles unter $ 1/Meter ist, fand ich keinen weißen Spandex. Aber sie hatten einen schwarz-weiß gestreiften. Ich konnte darin auch meine Hand als Umriss sehen und voila! Im selben Jahr ging ich zum ersten und einzigen Mal zu Burning Man. Das Thema war “Riten der Passage”. Ich war entschlossen, nicht als Zuschauerin oder Partygängerin zu gehen. Als Künstler wollte ich in dieser Umgebung auftreten. Ich fragte mich, was ich in meinem Arsenal hatte, das zum Thema passen würde. Ich dachte, dass ein Übergangsritual so ist, als würde man eine Linie in den Sand ziehen und überqueren. Linien! Streifen! Und so habe ich meine gesamte Garderobe aus diesem Stoff genäht. Und hab eine Fotosession auf der Playa gemacht. Nach meiner Rückkehr nach LA überlegte ich, wie ich mit meiner Arbeit Geld machen könnte, und wie das Publikum ein Stück von mir nach Hause nehmen könnte, da die Performance-Kunst zeitlich begrenzt ist. Wenn man die Performance nicht sieht, hat man es verpasst. Also habe ich Victus Versus als eine Performance für die Kamera konzipiert. Ich würde mich in eine bestimmte Umgebung installieren, mich dann langsam bewegen und posieren, immer mit einem ausgewiesenen Fotografen, der mich fotografierte. Auf den ersten Fotos war ich nackt. Aber ich erkannte schnell, dass sie interessanter waren, wenn weniger oder keine Haut zu sehen war. Und man sah mein Gesicht nie. Es ging um den menschlichen Körper und den menschlichen Zustand. Ich habe andere Arbeiten, die komplexer und intellektueller sind und Projektionen, Musik, Worte usw. benutzen. Aber “Victus Versus oder Living Stripes” ganz natürlich entstanden und die Leute haben es geliebt. Seitdem sind schwarze und weiße Streifen zu meiner Marke geworden. Vor ein paar Jahren fing ich an, mit einem wunderbaren Fotografen, Eric Schwabel, zu arbeiten. Wir haben den ersten “Striped World” -Raum in seinem Studio geschaffen. Diese Bilder zeigen die gestreifte Figur in einer häuslichen Atmosphäre. Und eines dieser Fotos erreichte 2014 den ersten Platz bei den One World: One World International Photography Awards. Eric und ich arbeiten weiter zusammen und produzieren ein unglaubliches Portfolio an Bildern. In letzter Zeit sind wir in die Natur gegangen – in Kalifornien gibt es große, weitläufige Orte wie die Mojave-Wüste, Joshua Tree, das Poppy Reserve.Basierend auf den Fotos und Performances wurde ich gebeten, mehrere große Installationen zu machen, welche die Palette von schwarz/weißen Streifen und Pink verwenden. So arbeite ich in diesen Umgebungen. Manchmal alleine, manchmal mit Kohorten wie letztes Jahr habe ich die Band “Black Blanc” für das MARS Festival bei Art Share LA zusammengestellt.

Ist Performance Kunst in Los Angeles beliebt?
Performance Art wird mehr und mehr als Kunstform akzeptiert. Fast jedes Kunst-Event hat eine Art “Performance”. Sie bieten es sogar als eine Disziplin an mehreren Universitäten und Kunstschulen in Los Angeles an. Wir haben mehrere Veranstaltungsorte für die Performance-Kunst: REDCAT (Roy und Edna Disney Cal Arts Theater), LACE (Los Angeles Contemporary Exhibitions), Highways, Human Resources, Automata, and Beyond Baroque.  Ich bin irgendwie mehr in die Kunstszene hineingezogen worden und nicht so sehr in die Performance-Szene, die vorwiegend auf Tanz ausgerichtet ist. Ob Los Angeles unterstützend ist? Ich würde sagen, Performance ist modisch, trendy. Performance Art ist “in”.

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Black Blanc


Was sind deine Lieblings-Performancekünstler?
Yoko Ono. Marina Abramovic. Dani Ausweichen. Kayla Tanga alias Coco Ono. Astrid Hadad. Laurie Anderson. Das sind alles Frauen. Etwas älter… Einige jünger. William Kentridge. Mondongo. Robert Wilson. R. Wilson ist eher ein Regisseur / Moderator, aber ich bin ziemlich inspiriert von ihm. Ich sehe sogar Cirque de Soleil als Performance-Kunst.

Wie bist du zur Performance Kunst gekommen?
Ich habe immer getanzt. Es ist eines meiner Lieblingstätigkeiten. Ich begann im Alter von drei Jahren mit Ballett und Steppen, dann Modern und Jazz während des College und afrikanischen Tanz in Deutschland. Ich habe ein recht umfangreiches Bewegungsvokabular. Und ich habe ziemlich viel Theater gemacht. Ich habe als Kind im Orchester gespielt – erst Geige und dann Klarinette. Und dann sang ich im Chor. Irgendwie war ich immer involviert, interessiert und besessen von den darstellenden Künsten. Am College habe ich ein Auslandssemester von der Theaterabteilung gesponsert bekommen. Ich ging nach Japan und tauchte ein in Kabuki, Noh und einigen anderen avantgardistischen Theaterformen. Dies hatte einen noch größeren Einfluss auf meine Arbeit, sowohl ästhetisch als auch in der Praxis. Und während ich am Skidmore College war, wurde mir von einer Freundin erzählt, dass eine Freundin von ihr eine Frau suchte, die Jackie Kennedy in einer Performance spielen sollte, die er machte. Ich war glücklich, dies zu tun. Und meine erste “Performance” war mit Ricky McKoy, einem schwarzen schwulen Mann, der JFK spielte. Ich saß neben ihm mit einem rosa „Pill Box“ Hut als Jackie für Charlotte Moormans 15. Avantgarde Festival am Pier 81 am Hudson River in New York City . Das war 1980. Ich hatte noch nie von Performance Art gehört, aber ich hatte mein Medium gefunden und bin seither Performance Artist. Nach dem Abschluss im Jahr 1981 zog ich tatsächlich in das East Village und war Jahre Rickys Zimmergenossin. Ich hatte einige Auftritte im Club 57 und PS 122. Dann bin ich nach Köln gezogen. Irgendwann fing ich an Performance Aufführungen für den Blue Monday im Alten Wartesaal zu machen. Dieser regelmäßige Auftrag (1x pro Woche) bezahlte meine Miete für ungefähr acht Jahre. In Deutschland habe ich auch in verschiedenen Bands gespielt – Beyond Good and Bad, The Thing of Venus und einige Jazz-Standards.

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Exin Street (Photo by Vanesa Crocini)

An was arbeitest du momentan? 
: Ich habe eine Residency im Museum of Art and History in Lancaster, Kalifornien von September bis November 2018. Ich werde dort mehrere Räume installieren. Ich habe beschlossen, die Installation “What is Black and White and Pink all over?” zu nennen. Ich werde einen weißen und einen schwarzen Raum haben. Und dazwischen einen gestreiften Raum, akzentuiert mit einem pinkfarbenen Raum voller Fotografien. Ich werde “A Striped World”-Fotos zeigen und Umgebungen schaffen, von denen ich hoffe, dass sie eine viszerale Resonanz bei den Besuchern hervorrufen werden. Ich bin auch verpflichtet, dort vier Veranstaltungen zu machen. Ich werde ein paar Auftritte machen, einschließlich “Experiments in Stripes. Ich plane auch eine Judy Garland / Frank Zappa Sing-a-Long. Sie sind ehemalige Bewohner von Lancaster. Ich beabsichtige auch, ein Gespräch über kulturelle Aneignung zu führen, da nicht alles schwarz oder weiß ist. Es gibt viele Grauzonen. Und rosa.

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Exin Street (Photo by Jonathon Stearns)

Was sind deine Pläne für die Zukunft?
Ich würde wirklich gerne aus dem No-oder Low-Budget-Zustand herauskommen. Ich arbeite an einem großen gemeinsamen Stück mit Maya Kuroki und Philippe Wozniak. Das sind zwei Künstler, die ich 2016 in Schloss Salem kennengelernt habe. Wir haben dann auch 2017 bei einer Residenz in Salem, New York, zusammengearbeitet. Das Stück trägt den Titel “Eine epische Rockoper mit biblischen Proportionen” und ist eine große multimediale Arbeit. Ich führe auch eine Serie mit dem Titel “Experiments in Nude” weiter. Fotografien meiner Körperteile im Raum isoliert und Gemälde, welche die Farbe des Aktes definieren. Es geht wirklich um den menschlichen Körper und enthält manchmal ein Maß an Erotik, ist aber nicht unbedingt sexuell.

 

 

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